投稿者: kmasa1006

ベニー・グッドマン（1909-1986）、言わずと知れた「スウィングの王様」だが、彼はクラシック音楽のジャンルへも大変興味深い録音を残している。

このアルバムは、各曲の作曲者との共演という、とても面白ものになっている。

バルトーク作品以外はそれぞれ作曲者が指揮者として、バルトークはピアニストとして共演している。（別の角度から見れば、前に書いた「自作自演」）

ジャズを中心に活動している方がクラシックも、という例はもちろん現代にもある。

チック・コリア（1941-）やキース・ジャレット（1945-）がバッハやモーツァルトを取り上げた例もあるし、ウィントン・マルサリス（1961-）の活動もある。

クラシック音楽とジャズの関係はおそらく、ガーシュウィン（1898-1937）から始まるのだが、その後、この関係はとても幸せなものとなったのではないかと思う。

互いに影響し合いながら、ある意味新しい音楽の形を生み出したといってもいい。

「特定の宗教を超えた・・・」（「信仰と音楽／ブルックナー」参照）ではないけれども、ジャンルを超えた邂逅は作曲面でも演奏面でも次代へのメッセージを残してくれていると言ってもいいだろう。

「即興性」という観点から、チック・コリアとバッハの関係も面白いと思うのだが、楽器は違えどベニー・グッドマンならバッハとどう向き合ったであろうか？

（まぁ、時代的にもバッハにクラリネットのための作品がない、ということはあるのだが…）

上記のアルバム以外にも、モーツァルトやウェーバーの協奏曲なども残している彼のバッハを聴いてみたかった。

（2011年）

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バッハやベートーヴェンが自作をどう演奏していたのか、ということはいつも考える。

「自作自演」だ。

技術の進歩もあり、現代は様々な「自作自演」を聴くことができる。

作品や作曲家によっては、「自作自演」はつまらないと思うこともあるが、作曲者の作品に対する想いを伺うヒントにはなっているように思う。

しかし何よりも、指揮をする作曲家が演奏者に対しどう向き合っているのかが気になる。

私の場合、正直言って、自分の書いた楽譜を指揮することほど嫌なことはない。

嫌というか、難しい…。

他の楽譜と向き合っている方がどれほど楽か…。

奏者に注文つけるときも、つい低姿勢になってしまう。

確かに、人が書いた音符よりも、自分が書いた音符の方がかわいいし大切。

他の曲では、極端な場合、不必要だと思った音はバッサリとやってしまうこともあるのに、自分の書いた音は…。

しかし、演奏者はシビア。その曲（楽譜）のことを一番知っている（はず）の人が目の前に立っているのだから、その目はより厳しい。

演奏者からの疑問にちゃんと答えられなければ、あるいは簡単に楽譜に手を加えようものなら、

「こいつ、ちゃんと考えて書いているのか…？」

ということになる。

だから、自分の楽譜を演奏する時は、出来る限り、演奏者の目で望むようには心がけている。時々、「誰だ、こんなこと書いたのは！？」と、声を発してしまうことも…

作・編曲者の目と演奏者の目、ある意味、二重人格になりつつある…。

（2006年）

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イギリスの作曲家エドワード・エルガー卿（Sir Edward Elgar 1857－1934）の名前は知らなくても、「威風堂々」 (Pomp and Sircumstance) と題された行進曲は耳にしたことがある方も多いはず（この行進曲の第1番はイギリス第2の国歌とも称されるほどの名旋律）。

そのエルガーの作品の中に「謎」 (Enigma) という、管弦楽のための変奏曲がある。

エルガーが自ら創作したテーマと14の変奏から成っているのだが、それぞれの変奏にイニシャルが付されている（これが第1の「謎」）。

今日では、それらが何を表しているのかは解き明かされているが、エルガー自身が、「この曲の真のテーマは姿を見せない」と語っていることから、全体を通した大きなテーマがこの曲にはあるようだ（これが第2の「謎」か…？）。

エルガー本人は生前、これら二つの謎を自ら明かすことは無かったという。

第2の「謎」は依然不明のようだが、「謎」はナゾのままでもいいんじゃないか、という気もする。

確かに人間は、「謎」を解くことによって、進化してきた側面があると思う。

文化、芸術、学問、科学技術などなど…、これらの発達も、いわば「謎解き」にある…。

そう思うのだ。

一応音楽に関わる仕事はしているのだが、「謎」がある方が楽しい！！

すべての「謎」が解明されてしまっては、多分人生も楽しくないような気がしている。

まぁ、生命に関わる「謎」以外は、ほどほどに解明されることを願ってはいるが…。

（2006年）

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「伝統」というものは案外簡単に崩せるものだ…」と書かれた文章に出会ったことがる。

なるほど、と思いつつも…「伝統 」って何なのだろう…？

「伝統というものなど無意味」というようなことを言った指揮者もいた。

クラシック音楽の世界では、このところ「ピリオド楽器」という、作品が作られた時代の楽器を使用して、また、当時の奏法を研究して…という動きが活発。

「伝統」を守るというのは、単に、当時の「形」を継承していくことなのだろうか？

確かに、当時の「形」を探り、伝えていくことは大切だが、

本当の「伝統」とは、「精神的な継承」ではないかと考える。

そして、「先達への敬意」…これが大切じゃないかと…。

人間が生み育ててきた文化・芸術は、時代の変化とともにこの先どのように変わっていくのだろうか…？

もしかしたら、変わらない（精神的）ために　変わる・変える（形）ということも、現代社会には必要なのかもしれない。

正直、自分で何書いているのか分からなくなった…。

（2006年）

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相田みつをの書いた文字のひとつひとつは、見事な「表情」を持っている。

勿論、書かれている言葉にも味があるけど。

しかし、もしこれが、活字で印刷されただけの言葉だったら…。

私も普段は、きちんと印刷された楽譜を使っているし、作品も最終的にはパソコンで浄書している。

楽譜というものは便利だが、実に厄介で、かつ不完全なもの。

作曲や編曲で五線紙（あるいはPC）に向かっている時、私は（私だけじゃないと思う）当然のことながら、「このような演奏をしてもらいたい」という理想像を浮かべている。

それは、響であったり、強弱であったり、抑揚であったり…（時には、演奏していただく演奏者の顔が浮かんで、「こんな難しいこと書いて…!!」と言われてるような気分も味わうが…笑）。

しかし、楽譜に用いる一般的な記号だけではそれらを表しきれないのが現実。

例えば「フォルテ」とか「ピアノ」という、所謂強弱を表す記号。

どの位強くするのか、どの位弱めるのかは最終的に演奏者に委ねるしかない。

記号に対する強弱の感覚って、やはり人によって様々だと思う。

それから「スタッカート」や「フェルマータ」。

どの位短く？どの位延ばしたら？

やはり、これも演奏者に委ねるしかない。

（余談ながら、「スタッカート」や「フェルマータ」は、「奏法」のための記号と思われているようだが、「表情」記号だと私は思っている。）

この不完全極まりない「楽譜」という代物、奏法や表現が多様化したこともあり、現在ではいろいろな記譜法も考えられているが、現実。一般化しきれていないように思う。

私自身は、楽譜の持つある種の曖昧さが演奏者のイマジネーションを広げるものだと考えている。

作曲家の中には、自分の理想通りに再現されることを求める方もいらっしゃるようだが、私は、自分が思ってもみなかった演奏に出会う方が好きである（「適当（いいかげん）」な演奏でなければ）。

じゃあ、演奏する立場から見ると…

「楽譜」の持つ曖昧さに苦労することは確かにある!!

ただ、私も楽譜を作る身、作る人の苦労もわかっている（つもり）だから、それ以上のコメントは控えておきます…。

先日、片付けものをしている際、以前書いた（箸にも棒にもかからない…）作品の手稿（手書きの楽譜）を久しぶりに眺めた。

当時を思い出したりして何だか懐かしいやら、面白いやら。

印刷されたものや、PCで制作したものとは違う表情があって、それはそれでいいものだなぁと。

有名作曲家の古い手稿というのも結構残っていて、私はそこに、既述の相田みつを「書」を見るような思いを以前したものだ。

楽譜にだって「表情」があってもいいんじゃないのかな…？

「たまには手書きに戻ってみるか」と思いつつも、PCでの楽譜制作にに慣れてしまった私。いっそのこと、（楽譜に表情をつける）新しい方法でも考えてみますか…。

そんなことより、音楽の中身ですよね、問題は…。

（2006年）

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大学生の頃手にしたある本に、

音楽の「楽」という字には、仏教の言葉で「願う」という意味がある

と書いてああった。

当時は「あぁ、そうなんだ…」程度にしか思っていなかったのだが、実際、音楽を仕事としてやっていくうちに、また音楽を創っていく中で、そのことの意味を自分なりに感じていくようになっている。

　もともと「楽」には「かなでる」という意味がありるのは存知の通り。

　日本でも古くから「雅楽」や「神楽」など、音を伴った文化がある。

しかし、そこにある「楽」はただ「かなでる」だけのものではない。

　仏や神への祈りが込められているわけである。

　西洋の音楽も遡れば、やはり「かなでる」だけではなく、そこには祈りが込められている。

　「祈る」と「願う」は必ずしも一致するとは思わないが（辞書では同じような意味）、少なくとも、己の気持ちを込めるという点では一致するように思う。

　「願う」→「かなでる」→そして、それが受け手の心に伝わる。

　作曲者、演奏者、聴衆がそこで何かを共有できた時、音楽が本当に「楽」しいと思えるような気がしている。

（2006年）

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